10 artistas expresionistas más famosos de todos los tiempos

El expresionismo abstracto es un movimiento artístico que crea obras de arte sin un tema identificable. El movimiento expresionista abstracto, que surgió en la década de 40, justo antes de la Segunda Guerra Mundial, estableció firmemente a Nueva York como el centro del arte y la cultura occidentales.

Los artistas del movimiento expresionista abstracto utilizan una amplia gama de estilos no convencionales que difieren en técnicas de pintura para expresar libremente las emociones que surgen del espíritu o el inconsciente. Fuertemente influenciado por artistas como Willem de Kooning, Jackson Pollock, Franz Kline y Mark Rothko, este movimiento artístico dominaría el panorama artístico durante varias décadas.

Los siguientes son los 10 artistas expresionistas abstractos más famosos de todos los tiempos.

Jackson Pollock

Nacido en Cody, Wyoming, el 28 de enero de 1912, Jackson Pollock fue un destacado artista estadounidense y una figura destacada del movimiento expresionista abstracto. Su técnica es tan innovadora que muchos críticos destacados de Nueva York lo consideran uno de los más grandes artistas de su época. Es mejor recordado por sus famosas pinturas en forma de lágrimas de finales de los años 40 y principios de los 50.

Antes de que Pollock escribiera su nombre en los anales de los famosos expresionistas abstractos, era principalmente un pintor realista. Posteriormente, Pollock incorporó estilos y técnicas del muralismo mexicano, el surrealismo y el cubismo de Picasso. Esto quiere decir que Pollock admiraba a artistas como Paul Cézanne, el muralista mexicano José Clemente Orozco, Pablo Picasso, Joan Miró y Thomas Hart Benton.

Animado por su terapeuta, que lo trataba por alcoholismo, Pollock comenzó a dibujar figuras que extraía libremente de su subconsciente. Sus pinturas se consideran algunas de las menos convencionales de la época posterior. segunda Guerra Mundial. En cierto modo recuerdan la naturaleza perturbada de la mente de Pollock, sacudida por sus demonios personales y los horrores del mundo de la época.

Pollock era tan apasionado como cualquier gran artista de su época. Sin embargo, también fue un artista muy impulsivo. Esto le permitió acceder libremente a sus emociones más profundas y a diferentes partes de su subconsciente cuando pintaba. Las pinturas famosas de Jackson Pollock incluyen voy al oeste (1934-1935), Guardianes del secreto (1943) Fresco (1943) Ritmo de Otoño: Número 30 (1950).

Artistas como Helen Frankenthaler, Robert Morris y Franz Klein fueron influenciados de alguna manera por Jackson Pollock. Su legado es que abrió el camino para los estilos contemporáneos en arteél. Cree que el estilo del arte es tan importante como el arte mismo. Esto significa que se esforzó por pintar sin límites, a menudo sobre lienzos en bruto y sin tensiones. El crítico de arte Clement Greenberg describió a Pollock como el artista de mayor valor estético de su época.

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Willem de Kooning

Con pinturas famosas como una mujer sentada (hacia 1940), angeles rosas (c. 1945), y Sin título (1948-1949), no sorprende que el artista holandés Willem de Kooning ocupe el segundo lugar en nuestra lista de los artistas expresionistas abstractos más famosos de todos los tiempos.

Influenciado por artistas como Picasso, Van Gogh y Mondren, Willem de Kooning desarrolló una técnica muy espiritual y expresiva en sus pinturas. Su estilo poco convencional, posiblemente el más radical del movimiento expresionista abstracto, surgió como resultado de la fusión de estilos del surrealismo y el cubismo. A diferencia del típico expresionista abstracto que comienza con una figura y luego termina con algo abstracto, Willem de Kooning aborda la figura y la abstracción al mismo tiempo. Este enfoque suyo le permite crear algunas obras maestras realmente impresionantes.

De Kooning es mejor conocido por su búsqueda interminable para descubrir diferentes formas de pintar, incluidas nuevas formas y figuras. Este impulso le permite crear pinturas heterogéneas en las que se mezclan diversos elementos de la cultura popular. A menudo descritas como erótica gestual, las obras coloridas y texturizadas de De Kooning fueron una gran influencia en artistas como Cecily Brown, Jack Wheaton y Robert Rauschenberg.

Algunas obras notables de de Kooning incluyen Mujer III (1951-53), Amanecer con el dedo rosado en Louse Point (1963) y mujer y niño (1967).

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Marcos Rothko

Mark Rothko es una figura muy conocida del movimiento expresionista abstracto por sus increíbles formas rectangulares pintadas sobre una superficie de color. En su carrera creativa experimentó con numerosos estilos hasta detenerse en el estilo expresionista abstracto.

Nacido en Rusia (25 de septiembre de 1903 en Dvinsk, entonces Imperio Ruso), Rothko era muy expresivo y buscaba crear imágenes que rebosaran contenido emocional e ideas. A medida que avanzaba su carrera, se convirtió en un gran admirador de las técnicas de pintura Color Field para transmitir experiencias trascendentales del espíritu o lo desconocido.

Clifford Steele

Clyfford Steele fue un brillante pintor de campos de color, nacido en Grandin, Dakota del Norte, el 30 de noviembre de 1904. Antes de dedicarse al expresionismo abstracto, sus pinturas estuvieron influenciadas principalmente por los estilos del regionalismo y el surrealismo estadounidenses. Por ejemplo, su pintura Sin título (Casas indias, Nespelem) (1936) está salpicado de escenas agrícolas.

Desde los primeros años de su carrera, el tema que utilizó en sus pinturas solía ser el hombre que hacía todo lo posible para sobrevivir en las duras condiciones de la naturaleza. E incluso como artista expresionista abstracto, todavía podía utilizar formas verticales para ilustrar su tema del espíritu humano en conflicto con la naturaleza. Más tarde llamaría a esta lucha "la necesidad vertical de la vida".

Su transición de formas y temas humanos obvios a formas abstractas se produjo en 1946. Steele se mudó a Nueva York y comenzó a pintar temas irreconocibles en sus pinturas, que exponía a menudo en la Galería Art of This Century de Peggy Guggenheim en Manhattan, Nueva York. Conocido por buscar el valor moral del arte, el estilo no representacional de Clyfford Steele influyó enormemente en los artistas de la Escuela de Nueva York, que se convirtieron en los principales pioneros del movimiento expresionista abstracto.

Ejemplos de las pinturas más famosas de Clyfford Steele son Sin título (Casas indias, Nespelem) (1936) Sin título (c. 1935) y 1948-C (1948).

Debido a su fuerte supervisión de cómo se vendían y exhibían sus pinturas, muchas de sus obras siguieron siendo impopulares hasta alrededor de 2011, cuando se construyó un museo en Denver para exhibir sus obras. Tiene un carácter tan controvertido que a menudo discute con muchos críticos y artistas de la escena neoyorquina, incluidos artistas como Mark Rothko y Barnett Newman.

Sabía usted que: ¿Clifford Steele fue profesor en la Universidad de Washington durante muchos años?

Franz Klein

Franz Klein (nacido – 23 de mayo de 1910, fallecido – 13 de mayo de 1962) fue expresionista abstracto, nacido en Pensilvania, más conocido por su uso de potentes trazos negros a gran escala sobre lienzos blancos. Muchos lo consideran uno de los más grandes pintores expresionistas abstractos porque sus obras están realizadas con una confianza poderosa. Esto le permite extraer formas inequívocamente monumentales de fuentes inconscientes.

Sus años de formación en el mundo del arte fueron impulsados ​​por sus interacciones con el profesorado de la Escuela de Arte de la Universidad de Boston. Gran admirador del gran pintor holandés Rembrandt (van Rijn), Franz Kline regresó a Nueva York tras una breve estancia en Inglaterra, donde conoció a su esposa, Elizabeth W. Parsons.

A principios de la década de 40, Franz Klein comenzó a apreciar el desarrollo del movimiento expresionista abstracto después de conocer a sus colegas artistas Willem de Kooning y Jackson Pollock. A partir de ese momento, las pinturas de Klein vieron menos figuración y más abstracción gestual. En sus pinturas sobre lienzo, incorpora su característico estilo en blanco y negro.

Klein siempre afirmó que sus amplios trazos negros sobre pinturas blancas procedían de su inconsciente. Desmiente a los críticos que afirman que se inspiró en la caligrafía japonesa.

Sus técnicas gestuales de abstracción llevaron al curador y poeta Frank O'Hara a identificarlo como uno de los más grandes pintores de acción arquetípicos, junto con artistas como De Kooning y Jackson Pollock. La influencia de Klein en el mundo del arte es palpable, ya que influyó mucho en muchos minimalistas, incluidos escultores como Donald Judd y Richard Serra.

Franz Klein siempre prefirió no explicar qué significaban sus cuadros; prefería que los espectadores interpretaran las pinturas ellos mismos. Por ello, sus monumentales abstracciones gestuales buscaban crear una conexión muy profunda con el espectador. Algunas de sus obras más famosas incluyen: Imagen No. 7 (1952), Jefe (1950), cuatro cuadrados (1956) y problema yo (1960).

Felipe Guston

"La pintura y la escultura son formas muy arcaicas...", dijo una vez el artista canadiense-estadounidense Philip Guston. Para él, la pintura es “… lo único que queda en nuestra sociedad industrial donde una persona puede hacer algo por sí misma no sólo con sus propias manos, sino también con su cerebro, su imaginación, tal vez con su corazón”. Muralismo mexicano, Guston inició su carrera como artista en la década de 30 como muralista realista socialista. Sus pinturas de este periodo suelen ahondar en los problemas del antisemitismo, el fascismo y el racismo.

El artista nacido en Montreal luego se desarrolló como artista creativo, inspirándose en una variedad de arte del Renacimiento italiano antes de finalmente hacer su gran oportunidad como expresionista abstracto. Fue un miembro influyente del movimiento de la Escuela de Nueva York en las décadas de 50 y 60, lo que lo convirtió en uno de los artistas que contribuyeron a la transformación de Nueva York en un centro mundial de arte y cultura.

Sin embargo, Guston no permaneció permanentemente como un expresionista abstracto. En la década de 60, rompió con el movimiento para centrarse en un estilo de arte conocido como neoexpresionismo. Y aunque tuvo algunas palabras poco halagadoras contra los pintores abstractos estadounidenses, sigue siendo uno de los más grandes expresionistas abstractos del siglo XX.^tee. siglo. Entre sus obras más significativas se encuentran Gladiadores (1938), La zona (1953-1954) y La última pieza (1958).

Helen Frankenthaler

Considerada en el mundo del arte como una de las artistas femeninas más veneradas de la década de 20.^. Helen Frankenthaler (1928-2011) es mejor conocida por desarrollar su propio estilo dentro del movimiento expresionista abstracto. Su estilo, la técnica del "spot secante", consiste en verter pintura diluida con trementina sobre el lienzo. Esto le permite obtener imágenes delicadas y formas fluidas.

Figura reconocida en el campo de la pintura en color, las obras de Helen Frankenthaler sirvieron de gran inspiración para artistas como Kenneth Noland y Maurice Lewis. Algunas de sus obras más destacadas incluyen Montañas y mar (1952), Cañón (1965) y Madame Butterfly (2000).

Sabía usted que: Helen Frankenthaler está casada con Robert Matthew desde 1958. hasta 1971?

Barnett Newman

AméricaBarnett Newman, pintor estadounidense y defensor de los grandes campos de color en las pinturas, fue una figura influyente en el expresionismo abstracto. Percibe el proceso de pintar como un proceso que surge del inconsciente primitivo. Antes de desarrollar su estilo expresionista abstracto, Newman creó varias pinturas utilizando el estilo surrealista. Considera su estilo único de pintura como un esfuerzo físico y metafísico. Según él, los estilos modernos en el arte han invalidado los estilos tradicionales. Newman también creía que los nuevos estilos también invalidaban los viejos estándares de lo que hacía bella una pintura.

Al comienzo de su carrera creativa, sus pinturas no recibieron mucho reconocimiento, pero no fue hasta la segunda parte de su carrera que se convirtió en una poderosa inspiración para la segunda generación de artistas del campo del color.

Ejemplos de algunas de las obras más notables de Barnett Newman son Onement I (1948), Vir heroicus sublimis (1950-51), Canto VII (1963), Uriel (1954), Abraham (1949), Broken Obelisk (1963-69).

Roberto Mateo

Habiendo asistido a prestigiosas escuelas como la Universidad de Stanford, Harvard y la Universidad de Columbia, Robert Matthew (1915-1991) tuvo la educación formal más alta de cualquier artista de la Escuela de Nueva York (el grupo de expresionistas abstractos y artistas de vanguardia de las décadas de 50 y 60 del siglo XX. , con artistas, bailarines, poetas y músicos en Nueva York). Matuel es también uno de los artistas más jóvenes del grupo.

Gracias a su formación en el campo de la filosofía y la literatura, Mathewel es capaz de transmitir en sus pinturas temas que examinan la historia humana y la filosofía. Los críticos notaron que logró equilibrar entre movimientos gestuales controlados y audaces del pincel de una manera que creó pinturas asombrosas en formas simples. Se dice que las mayores inspiraciones de Robert Mathewell en el mundo del arte fueron Henri Matisse y Pablo Picasso.

El destacado crítico de arte Clement Greenberg describe a Robert Matthew como uno de los pintores expresionistas abstractos más influyentes.

Sabía usted que: ¿Robert Matthew fue un orador tan elocuente que se convirtió en portavoz del movimiento expresionista abstracto?

Arshilé Gorki

Nacido en lo que entonces era el Imperio Otomano (la actual Turquía), Arshile Gorky creía que sus pinturas abstractas le permitían a su mente ver cosas que sus ojos no podían ver. Como artista expresionista abstracto, Gorky se sintió emancipado y pintó cuadros no objetivos que le permitieron "... extraer lo infinito de lo finito".

En el movimiento expresionista abstracto, a Gorky se le concede a menudo una estima similar a la de Rothko, Pollock y de Kooning. El estilo del artista armenio-estadounidense, que incluye algunas formas de surrealismo, enfatiza el color de una manera única. Su estilo también le permite compartir experiencias de su infancia, incluidas experiencias horribles como el genocidio armenio. Obras como El artista y su madre (c. 1926-1936) y Agonía (1947) generalmente transmiten el mensaje de su triunfo sobre las dolorosas experiencias infantiles. Algunos otros ejemplos famosos de pinturas de Arshile Gorky son El hígado es la peineta del gallo (1944), El jardín de Sochi (1943), Aviación: evolución de las formas bajo restricciones aerodinámicas (1937) y Paisaje después de Cézanne (1927).

Sabía usted que: ¿Arshile Gorky sobrevivió al genocidio armenio perpetrado por los turcos otomanos?