Die 10 berühmtesten expressionistischen Künstler aller Zeiten

Der Abstrakte Expressionismus ist eine künstlerische Bewegung, die Kunstwerke ohne identifizierbares Thema schafft. Die Bewegung des Abstrakten Expressionismus entstand in den 40er Jahren, kurz vor dem Zweiten Weltkrieg, und etablierte New York fest als Zentrum westlicher Kunst und Kultur.

Künstler der Bewegung des Abstrakten Expressionismus nutzen eine Vielzahl unkonventioneller Stile, die sich in den Maltechniken unterscheiden, um Emotionen, die dem Geist oder dem Unbewussten entspringen, frei auszudrücken. Diese künstlerische Bewegung wurde stark von Künstlern wie Willem de Kooning, Jackson Pollock, Franz Kline und Mark Rothko beeinflusst und dominierte mehrere Jahrzehnte lang die Kunstlandschaft.

Im Folgenden sind die 10 berühmtesten Künstler des abstrakten Expressionismus aller Zeiten aufgeführt.

Jackson Pollock

Jackson Pollock wurde am 28. Januar 1912 in Cody, Wyoming, geboren. Er war ein bekannter amerikanischer Künstler und eine führende Persönlichkeit der Bewegung des Abstrakten Expressionismus. Seine Technik ist so innovativ, dass ihn viele führende New Yorker Kritiker als einen der größten Künstler seiner Zeit bezeichnen. Er ist vor allem für seine berühmten Tropfengemälde aus den späten 40er und frühen 50er Jahren bekannt.

Bevor Pollock seinen Namen in die Annalen der berühmten abstrakten Expressionisten eintrug, war er in erster Linie ein realistischer Maler. Pollock integrierte später Stile und Techniken des mexikanischen Wandgemäldes, des Surrealismus und des Kubismus von Picasso. Das bedeutet, dass Pollock Künstler wie Paul Cézanne, den mexikanischen Wandmaler José Clemente Orozco, Pablo Picasso, Joan Miró und Thomas Hart Benton bewunderte.

Ermutigt durch seinen Therapeuten, der ihn wegen Alkoholismus behandelte, begann Pollock, Figuren zu zeichnen, die er frei aus seinem Unterbewusstsein entnahm. Seine Gemälde gelten als einige der unkonventionellsten der Folgezeit Zweiter Weltkrieg. Sie erinnern ein wenig an die unruhige Natur von Pollocks Geist, der von seinen persönlichen Dämonen und den Schrecken der damaligen Welt erschüttert wurde.

Pollock war so leidenschaftlich wie jeder große Künstler seiner Zeit. Allerdings war er auch ein sehr impulsiver Künstler. Dies ermöglichte es ihm, beim Malen frei auf seine tiefsten Emotionen und verschiedene Teile seines Unterbewusstseins zuzugreifen. Zu den berühmten Gemälden von Jackson Pollock gehören: Ich gehe nach Westen (1934-1935) Hüter des Geheimnisses (1943) Fresko (1943) Herbstrhythmus: Nummer 30 (1950).

Künstler wie Helen Frankenthaler, Robert Morris und Franz Klein wurden in gewisser Weise von Jackson Pollock beeinflusst. Sein Vermächtnis besteht darin, dass er den Weg für zeitgenössische Stile ebnete artEs. Er glaubt, dass der Stil der Kunst genauso wichtig ist wie die Kunst selbst. Das bedeutet, dass er danach strebte, ohne Grenzen zu malen, oft auf unbelasteten, rohen Leinwänden. Der Kunstkritiker Clement Greenberg beschrieb Pollock als den Künstler mit dem höchsten ästhetischen Wert seiner Zeit.

Wussten Sie das?: Jackson Pollock hat etwa ein Jahrzehnt lang in einem Studio in Greenwich Village gearbeitet?

Willem de Kooning

Mit berühmten Gemälden wie Eine sitzende Frau (ca. 1940), Rosa Engel (ca. 1945) und Kein Titel (1948–1949) ist es keine Überraschung, dass der niederländische Künstler Willem de Kooning auf unserer Liste der berühmtesten Künstler des abstrakten Expressionismus aller Zeiten an zweiter Stelle steht.

Beeinflusst von Künstlern wie Picasso, Van Gogh und Mondren entwickelte Willem de Kooning in seinen Gemälden eine sehr spirituelle und ausdrucksstarke Technik. Sein unkonventioneller Stil, möglicherweise der radikalste der abstrakten expressionistischen Bewegung, entstand als Ergebnis der Verschmelzung von Stilen aus Surrealismus und Kubismus. Anders als der typische abstrakte Expressionist, der mit einer Figur beginnt und dann mit etwas Abstraktem endet, beschäftigt sich Willem de Kooning gleichzeitig mit Figur und Abstraktion. Dieser Ansatz ermöglicht es ihm, einige wirklich beeindruckende Meisterwerke zu schaffen.

De Kooning ist vor allem für seine nie endende Suche nach der Entdeckung verschiedener Malweisen, einschließlich neuer Formen und Figuren, bekannt. Dieser Antrieb ermöglicht es ihm, heterogene Gemälde zu schaffen, in denen sich zahlreiche Elemente der Populärkultur vermischen. De Koonings farbenfrohe und strukturierte Werke, die oft als gestische Erotik beschrieben werden, hatten großen Einfluss auf Künstler wie Cecily Brown, Jack Wheaton und Robert Rauschenberg.

Zu den bemerkenswerten Werken von de Kooning gehören: Frau III (1951-53) Pink-Finger-Sonnenaufgang am Louse Point (1963) und Frau und Kind (1967).

Wussten Sie das?: Die berühmte Kunstkritikerin und abstrakte Expressionistin Elaine de Kooning (Elaine Fried) ist Willem de Koonings Frau?

Mark Rothko

Mark Rothko ist aufgrund seiner unglaublichen rechteckigen Formen, die auf eine farbige Oberfläche gemalt wurden, eine allgemein bekannte Figur des Abstrakten Expressionismus. In seiner kreativen Karriere experimentierte er mit zahlreichen Stilen, bis er beim abstrakt-expressionistischen Stil stehen blieb.

Der in Russland geborene Rothko (25. September 1903 in Dwinsk, damals Russisches Reich) war sehr ausdrucksstark und versuchte, Bilder voller emotionaler Inhalte und Ideen zu schaffen. Im Laufe seiner Karriere wurde er ein großer Bewunderer der Farbfeld-Maltechniken zur Vermittlung transzendentaler Erfahrungen des Geistes oder des Unbekannten.

Clifford Steele

Clyfford Steele war ein brillanter Farbfeldmaler, der am 30. November 1904 in Grandin, North Dakota, geboren wurde. Bevor er sich dem Abstrakten Expressionismus zuwandte, waren seine Gemälde hauptsächlich von den Stilen des amerikanischen Regionalismus und Surrealismus beeinflusst. Zum Beispiel seine Malerei Ohne Titel (Indian Houses, Nespelem) (1936) ist gespickt mit Bauernhofszenen.

In den frühen Jahren seiner Karriere verwendete er in seinen Gemälden meist den Mann, der sein Bestes gab, um unter den rauen Bedingungen der Natur zu überleben. Und selbst als Künstler des abstrakten Expressionismus war er immer noch in der Lage, vertikale Formen zu verwenden, um sein Thema des menschlichen Geistes im Konflikt mit der Natur zu veranschaulichen. Er nannte diesen Kampf später „die vertikale Notwendigkeit des Lebens“.

Sein Übergang von offensichtlichen menschlichen Formen und Motiven zu abstrakten Formen erfolgte 1946. Steele zog nach New York und begann, in seinen Gemälden nicht wiedererkennbare Motive zu malen, die er oft in Peggy Guggenheims Art of This Century Gallery in Manhattan, New York York, ausstellte. Clyfford Steeles gegenstandsloser Stil, der für seine Suche nach dem moralischen Wert der Kunst bekannt ist, hatte großen Einfluss auf die Künstler der New York School, die zu führenden Pionieren der Bewegung des Abstrakten Expressionismus wurden.

Beispiele für die berühmtesten Gemälde von Clyfford Steele sind Ohne Titel (Indian Houses, Nespelem) (1936) Kein Titel (ca. 1935) und 1948-C (1948).

Aufgrund seiner strengen Aufsicht darüber, wie seine Gemälde verkauft und ausgestellt wurden, blieben viele seiner Werke unbeliebt, bis etwa 2011 in Denver ein Museum zur Ausstellung seiner Werke errichtet wurde. Sein Charakter ist so kontrovers, dass er oft mit vielen Kritikern und Künstlern der New Yorker Szene in Streit gerät, darunter Künstler wie Mark Rothko und Barnett Newman.

Wussten Sie das?: Clifford Steele war viele Jahre lang Professor an der University of Washington?

Franz Klein

Franz Klein (geboren am 23. Mai 1910, gestorben am 13. Mai 1962) war abstrakter Expressionist, geboren in Pennsylvania, bekannt für seine kraftvollen, großformatigen schwarzen Striche auf weißer Leinwand. Er wird von vielen als einer der größten Maler des abstrakten Expressionismus angesehen, da seine Werke mit kraftvoller Sicherheit ausgeführt werden. Dies ermöglicht es ihm, eindeutig monumentale Formen aus unbewussten Quellen zu schöpfen.

Seine prägenden Jahre in der Kunstwelt wurden durch seine Interaktionen mit Dozenten der Boston University School of Art gefördert. Als großer Bewunderer des großen niederländischen Malers Rembrandt (van Rijn) kehrte Franz Kline nach einem kurzen Aufenthalt in England nach New York zurück, wo er seine Frau Elizabeth W. Parsons kennenlernte.

Etwa in den frühen 40er Jahren begann Franz Klein, die Entwicklung der Bewegung des Abstrakten Expressionismus zu schätzen, nachdem er seine Künstlerkollegen Willem de Kooning und Jackson Pollock kennengelernt hatte. Von diesem Zeitpunkt an zeigten Kleins Gemälde weniger Figuration und mehr gestische Abstraktion. In seine Gemälde auf Leinwand integriert er seinen charakteristischen Schwarz-Weiß-Stil.

Klein behauptete immer, dass seine voreingenommenen, breiten schwarzen Striche auf weißen Gemälden aus seinem Unterbewusstsein stammten. Er entlarvt Kritiker, die behaupten, er sei von der japanischen Kalligraphie inspiriert worden.

Seine gestischen Techniken der Abstraktion veranlassten den Kurator und Dichter Frank O'Hara, ihn neben Künstlern wie de Kooning und Jackson Pollock als einen der größten archetypischen Action-Maler zu bezeichnen. Kleins Einfluss auf die Kunstwelt ist spürbar, da er viele Minimalisten, darunter Bildhauer wie Donald Judd und Richard Serra, stark beeinflusst hat.

Franz Klein zog es immer vor, nicht zu erklären, was seine Bilder bedeuteten; Er zog es vor, dass der Betrachter die Bilder selbst interpretierte. Daher zielten seine monumentalen gestischen Abstraktionen darauf ab, eine sehr tiefe Verbindung zum Betrachter herzustellen. Zu seinen berühmtesten Werken gehören: Bild Nr. 7 (1952), Chef (1950), Vier Quadrate (1956) und Probst I (1960).

Philip Guston

„Malerei und Skulptur sind sehr archaische Formen…“, sagte einmal der kanadisch-amerikanische Künstler Philip Guston. Für ihn ist Malerei „…das Einzige, was in unserer Industriegesellschaft noch übrig ist, wo der Mensch nicht nur mit seinen eigenen Händen, sondern auch mit seinem Gehirn, seiner Vorstellungskraft, vielleicht mit seinem Herzen, etwas tun kann.“ Viel Inspiration von Guston begann seine Karriere als mexikanischer Wandmaler in den 30er Jahren als sozialistisch-realistischer Wandmaler. Seine Gemälde dieser Zeit befassen sich meist mit den Problemen des Antisemitismus, Faschismus und Rassismus.

Der in Montreal geborene Künstler entwickelte sich dann zu einem kreativen Künstler und ließ sich von einer Reihe italienischer Renaissance-Kunst inspirieren, bevor er schließlich seinen großen Durchbruch als Abstrakter Expressionist schaffte. Er war ein einflussreiches Mitglied der New York School-Bewegung in den 50er und 60er Jahren und gehörte damit zu den Künstlern, die zur Umwandlung New Yorks in ein Weltzentrum für Kunst und Kultur beitrugen.

Guston blieb jedoch nicht dauerhaft ein abstrakter Expressionist. In den 60er Jahren brach er mit dieser Bewegung und konzentrierte sich auf einen Kunststil, der als Neoexpressionismus bekannt ist. Und obwohl er einige wenig schmeichelhafte Worte gegen amerikanische abstrakte Maler fand, bleibt er immer noch einer der größten abstrakten Expressionisten der 20er Jahre^tee. Jahrhundert. Zu seinen bedeutendsten Werken zählen Gladiators (1938), The Zone (1953–1954) und The Last Piece (1958).

Helen Frankenthaler

Gilt in der Kunstwelt als eine der am meisten verehrten Künstlerinnen der 20er Jahre.^. Helen Frankenthaler (1928–2011) ist vor allem für die Entwicklung ihres eigenen Stils innerhalb der Bewegung des Abstrakten Expressionismus bekannt. Ihr Stil, die „Spot Blotting“-Technik, besteht darin, mit Terpentin verdünnte Farbe auf die Leinwand zu gießen. Dadurch gelingt es ihr, zarte Bilder und fließende Formen zu erhalten.

Helen Frankenthalers Werke, eine bekannte Persönlichkeit auf dem Gebiet der Farbmalerei, dienten Künstlern wie Kenneth Noland und Maurice Lewis als große Inspiration. Zu ihren bemerkenswertesten Werken zählen „Mountains and Sea“ (1952), „Canyon“ (1965) und „Madame Butterfly“ (2000).

Wussten Sie das?: Helen Frankenthaler ist seit 1958 mit Robert Matthew verheiratet. bis 1971?

Barnett Newman

AmerikaBarnett Newman, amerikanischer Maler und Verfechter großer Farbflächen in Gemälden, war eine einflussreiche Figur des Abstrakten Expressionismus. Er nimmt den Prozess des Malens als einen Prozess wahr, der aus dem primitiven Unbewussten entsteht. Bevor er seinen Stil des abstrakten Expressionismus entwickelte, schuf Newman eine Reihe von Gemälden im Stil des Surrealismus. Er sieht seinen einzigartigen Malstil als ein physisches und metaphysisches Unterfangen. Ihm zufolge haben moderne Stile in der Kunst traditionelle Stile ungültig gemacht. Newman glaubte auch, dass die neuen Stile auch die alten Maßstäbe für die Schönheit eines Gemäldes außer Kraft setzten.

Zu Beginn seiner kreativen Laufbahn fanden seine Gemälde keine große Anerkennung, doch erst im zweiten Teil seiner Karriere wurde er zu einer starken Inspiration für die zweite Generation von Farbfeldkünstlern.

Beispiele für einige der bemerkenswertesten Werke von Barnett Newman sind Onement I (1948), Vir heroicus sublimis (1950–51), Canto VII (1963), Uriel (1954), Abraham (1949) und Broken Obelisk (1963–69).

Robert Matthew

Robert Matthew (1915-1991) besuchte renommierte Schulen wie die Stanford University, Harvard und die Columbia University und verfügte über die höchste formale Ausbildung aller New York School-Künstler (der Gruppe abstrakter Expressionisten und Avantgarde-Künstler der 50er und 60er Jahre des XNUMX. Jahrhunderts). , mit Künstlern, Tänzern, Dichtern und Musikern in New York). Matuel ist auch einer der jüngsten Künstler der Gruppe.

Dank seiner Ausbildung im Bereich Philosophie und Literatur ist Mathewel in der Lage, in seinen Gemälden Themen zu vermitteln, die sich mit der Geschichte und Philosophie der Menschheit befassen. Kritiker bemerkten, dass es ihm gelang, die Balance zwischen kontrollierten und kühnen gestischen Pinselbewegungen auf eine Weise zu halten, die erstaunliche Gemälde in einfachen Formen schuf. Robert Mathewells größte Inspirationen in der Kunstwelt sollen Henri Matisse und Pablo Picasso gewesen sein.

Der bekannte Kunstkritiker Clement Greenberg beschreibt Robert Matthew als einen der einflussreichsten Maler des abstrakten Expressionismus.

Wussten Sie das?: Robert Matthew war ein so eloquenter Redner, dass er zum Sprecher der Bewegung des Abstrakten Expressionismus wurde?

Arshile Gorki

Arshile Gorky wurde im damaligen Osmanischen Reich (der heutigen Türkei) geboren und glaubte, dass seine abstrakten Gemälde es seinem Geist ermöglichten, Dinge zu sehen, die sein Auge nicht sehen konnte. Als Künstler des abstrakten Expressionismus fühlte sich Gorki emanzipiert und malte gegenstandslose Bilder, die es ihm ermöglichten, „das Unendliche aus dem Endlichen herauszulösen“.

In der Bewegung des Abstrakten Expressionismus wird Gorki oft eine ähnliche Wertschätzung entgegengebracht wie Rothko, Pollock und de Kooning. Der Stil des armenisch-amerikanischen Künstlers, der einige Formen des Surrealismus beinhaltet, betont die Farbe auf ganz einzigartige Weise. Sein Stil ermöglicht es ihm auch, Erfahrungen aus seiner Kindheit zu teilen, darunter schreckliche wie den Völkermord an den Armeniern. Werke wie „Der Künstler und seine Mutter“ (ca. 1926–1936) und „Agonie“ (1947) vermitteln im Allgemeinen die Botschaft seines Triumphs über schmerzhafte Kindheitserlebnisse. Einige andere berühmte Beispiele für Gemälde von Arshile Gorky sind „The Liver is the Cock's Comb“ (1944), „The Garden in Sochi“ (1943), „Aviation: Evolution of Forms under Aerodynamic Constraints“ (1937) und Landschaft nach dem Vorbild von Cézanne (1927).

Wussten Sie das?: Arshile Gorki hat den Völkermord an den Armeniern durch die osmanischen Türken überlebt?